Baie-Comeau avec l'Église Sainte-Amélie en construction au centre
En haut d'un promontoire surplombant la baie des Anglais face à la ville de Baie Comeau se trouve l'église Sainte-Amélie. La beauté architecturale de l'église basée sur le style de Dom Bellot de l'architecte montréalais Gaston Gagné domine le paysage.
Son clocher de cuivre coiffé de vert reflète les immenses forêts de la Côte-Nord du Saint-Laurent. Aujourd'hui, un nouveau toit de cuivre scintille avec les couchers de soleil qui brillent sur les cieux de l'ouest.
Les caractéristiques architecturales d'orientation, de couleur, de matériaux de construction sont conformes à la philosophie Dom Bellot.
L'intérieur spacieux en forme de dôme est l'œuvre de Guido Nincheri. Son travail de fresque, unique au Canada, orne son intérieur de peintures illustrant la présence des Pères eudistes venus sur la Côte-Nord au début des années 1900, l'histoire de Sainte Amélie et les croyances de l'Église catholique à travers les âges.
Comprendre l'œuvre d'art de Guido Nincheri nécessite une explication tant son travail est narratif et historique. Cette présentation est un hommage au génie de mon grand-père Guido Nincheri.
Au fur et à mesure de l'expansion de la ville, l'érection d'églises catholiques et protestantes répondait aux besoins religieux de la nouvelle communauté. Une première église protestante, Saint-André, fut construite en 1937. La Québec North Shore Paper Company (QNSP), propriétaire de la ville, fait don de deux terrains sur l'avenue Marquette, et la papetière en finance la construction. À l'hiver 1938, l'entrepreneur général Gaston Gagnier (1906-1982) commence à creuser les fondations et à ériger la charpente d'acier.
Dans une lettre datée du 19 décembre 1939, le capitaine Schmon, directeur des installations de la ville, offrit ses services au nom de la Compagnie : «pour aider l'Église catholique à [. . .] construire une église appropriée qui ne serait pas trop élaborée, mais en même temps qui possèdera posséder les qualités architecturales qui s'intégreraient au paysage et à l'architecture environnants de manière à le rendre attrayant.»
Baie-Comeau avec l'Église Sainte-Amélie en construction au centre
L'architecture de l'église fut conçue par l'architecte montréalais Gaston Gagnier (1906-1982) sur le style du moine bénédictin Dom Bellot (1876-1944) qui accorde une attention particulière aux proportions, aux climats, aux matériaux de construction et à la diffusion de la lumière et des couleurs.
La structure, construite sur un plan en croix latine, est constituée d'une charpente métallique d'arcs brisés (fig. 1, 2) doublée de briques de terre cuite et d'un mur extérieur en granit rose local. La toiture de la nef en charpente de bois recouverte d'asphalte protège la voûte intérieure et l'abside. Un treillis d'acier attaché à la charpente en acier a créé ses arcs voûtés. Cette surface a été appliquée avec du mortier de chaux pour son enduit intérieur créant une structure ignifuge. Cette surface de mortier de chaux était la base de l'«intonaco», une très fine couche de plâtre sur laquelle des peintures de couleur sont appliquées créant une peinture murale (fresque) qui dure indéfiniment. Ses larges baies latérales offrent un intérieur baigné de lumière par sa situation perchée en haut du promontoire surplombant la Baie des Anglais.
Le clocher flanquant dont la colonnade s'élève vers le ciel est coiffé de cuivre qui verdit avec le temps. La colonnade arborescente de son clocher et de son toit vert reflète la symbolique architecturale de Dom Bellot en matière de structure, de lumière et de couleur. Le granit rose des murs extérieurs de l'église provient d'une carrière non loin de la ville (Pelissier, Pierluccio architecte et conservateur, Église de Sainte-Amélie À Baie Comeau, Rapport technique sur la conservation des fresques de G. Nincheri, Montréal 1996).
L’église fut nommée en l’honneur de la première épouse du colonel McCormick, décédée en août 1941. La papetière, avec un prêt sans intérêt de 200 000 $, a assuré le financement des travaux. L'architecte proposa les services d'un peintre qu'il connaissait bien, M. Guido Nincheri, pour la réalisation des décors de fresques intérieures. Le colonel McCormick a accepté et a même contribué avec un financement personnel de 17 352 $. Le père eudiste Louis-Philippe Gagné (1895-1965) devint le premier curé de l'église à la demande de son ami le colonel McCormick. Il a supervisé la décoration intérieure de de 1940 à1947, jusqu'à la consécration de l'église.
Au cours de son mandat de sept ans, Louis-Philippe Gagné est devenu un bon ami de Guido Nincheri. Il a vu l'artiste être arrêté par la GRC en mai 1940 sous l'accusation d'être un sympathisant fasciste. En septembre 1940, l'artiste fut blanchi de ces accusations. Il reprendra en mai 1941 les travaux commencés avec la décoration de la voûte de Saint Jean Eudes. Ces travaux se terminent en 1947 avec la consécration de l'église.
Les collaborateurs de Guido Ninceri sont Matteo Martirano et Giovanni Prampolini, qui avaient travaillé avec lui sur la fresque de Notre-Dame-de-la-Défense à Montréal. Ont également collaboré Alfred Côté de Québec et M. Larrivière de Rivière-du-Loup sans mentionner d'autres adjoints de la nouvelle ville.
Charpente du toit et du clocher
Source : Pelissier, Pierluccio, Rapport technique sur la conservation des fresques de G. Nincheri, Montréal 1996
Structure d.acier en 1938-1939
Source : Pelissier, Pierluccio, Rapport technique sur la conservation des fresques de G. Nincheri, Montréal 1996
«Les cieux font souvent pleuvoir les dons les plus riches sur les êtres humains, mais parfois ils accordent avec abondance à un seul individu la beauté, la grâce et la capacité, de sorte que quoi qu'il fasse, chaque action est si divine qu'il éloigne tous les autres hommes, et montre comment sa grandeur est un don de Dieu et non un acquis de l'art humain. Les hommes l'ont vu en Léonard.» (Giorgio Vasari sur Léonard de Vinci, Vies des artistes)
«‘L'esprit du peintre est une copie de l'esprit divin‘, a expliqué Da Vinci, ’puisqu'il opère librement dans la création de nombreux types d'animaux, de plantes, de fruits, de paysages, de campagnes, de ruines et de lieux impressionnants.’ Il a trouvé des preuves de l'existence et de l'omniprésence de Dieu dans la nature, la lumière, la couleur, la botanique, le corps humain et la créativité. Dans son esprit, la Beauté reflétait la perfection du Premier Moteur ; le Créateur a ainsi offert la Beauté au monde à travers la nature ; et les artistes, en communion avec l'Infini, ont créé un modèle pour capturer la Beauté dans toutes ses manifestations grâce à un talent divinement déclenché. (Erol Aaron Araf, L'incomparable reconstitution historique de la Kabbale ésotérique de Léonard, p. 11-13).
Guido Nincheri 1885-1973 - Source: Wikipedia
Guido Nincheri (1885-1973), né à Prato près de Florence, en Italie, était le fils d'un riche courtier en textile. Peu intéressé par les affaires de sa famille, il quitte la maison à 18 ans et entre à l'Académie des Beaux-Arts de Florence. Il obtient son diplôme avec mention et médailles en design classique, en technique de fresque et en architecture douze ans plus tard.
En 1913, alors qu'ils étaient en route vers l'Argentine, Nincheri et sa femme Giulia, âgée de 16 ans, débarquèrent à Boston, où il travailla comme décorateur d'accessoires de scène pour l'Opéra de Boston. En 1914, il immigre à Montréal, où il trouve un emploi au Studio Henri Perdriault, l'un des principaux décorateurs d'églises de l'époque, où Nincheri apprend l'art du vitrail et lance sa carrière d'artiste décorateur.
En 1924, il crée son atelier spécialisé dans la décoration d'églises. Il développe le style des vitraux brillants et translucides dont la lumière diffuse met en valeur les nombreuses fresques et peintures des 220 églises qu'il décore de son vivant à travers le Canada (95 seulement dans la province de Québec) et les États de la Nouvelle-Angleterre.
Il était reconnu pour son travail artistique et pour ses interprétations profondes des récits bibliques et du symbolisme ecclésiastique. En 1933, le pape Pie XI lui confère le titre de Commandeur de l'Ordre de Saint-Sylvestre. En 1972, il est fait Chevalier de la République d'Italie. Quelques mois avant sa mort, survenue le 1er mars 1973 à Providence, Rhode Island, Nincheri avait suggéré que l'on pouvait approcher la perfection dans l'art en mélangeant trois ingrédients, une idée, les couleurs de Titien (1488-1576) et, en composition, l'imagination de Raphaël (1483-1520). C'est à partir de ces trois ingrédients qu'il a cherché dans ses décors peints et ses vitraux à faire vivre la «religion», produisant une œuvre qu'il considérait lui-même comme très conservatrice et traditionaliste. En 1992, il a été reconnu à titre posthume comme «Bâtisseur de la Ville de Montréal».
L'art de Guido Nincheri se caractérise par les couleurs de la Renaissance décrites dans Il Libro dell'Arte de Cennini, et par son utilisation de la technique du «cangiantismo» de Michel-Ange et de la palette du peintre vénitien Titien.
Guido Nincheri s'inspire des compositions de Raphaël et du livre «Peintures sacrées» de Charles Borromée. Le mouvement préraphaélite qu'il a hérité de son mentor et professeur Adolfo de Carolis influence nombre de ses peintures. Sa connaissance étendue des lieux et des gens provient de l'étude de James Tissot sur la vie du Christ et son utilisation magistrale du symbolisme et de la compréhension des Écritures provient de la main directrice du père Policarpo Armadori, le talentueux pasteur des premiers jours de la construction de Notre Dame de la Défense.
Ses compositions sont réalistes, littérales, vives et colorées. Elles se basent sur les coutumes, les architectures et les paysages avec un souci d’exactitude historique, archéologique, géographique et botanique. Les corps humains, dont les expressions reflètent leur nature et leurs attitudes innées, sont particuliers à son art. Son œuvre s’appuie également sur des recherches poussées sur les Écritures et la vie des saints.
Guido Nincheri avait un sens inné du symbolisme religieux et de l'iconographie qu'il applique à ses compositions afin de mettre en valeur ou de souligner un événement, un concept théologique et les personnalités ecclésiastiques qu'il peint. Les personnages qui peuplent ses peintures proviennent de la vie réelle. Ils sont de sa famille, de ses collègues, des personnalités ecclésiastiques et des gens des paroissiens qui ont posé pour lui.
Il fut inspiré par Raphaël et des couleurs de Titien émane d'une interview que Guido Nincheri a donnée à un journaliste de Providence RI environ trois mois avant sa mort (Tissot, James, The Life of Christ, Edited by Judith F. Dolkart Brooklin Museum Merrel London New York 2009), De nombreuses vitraux et peintures de Guido Nincheri sont basées sur les interprétations de Tissot. Le Père Policarpo Armadori, o.s.m, (1882-1932), vicaire provincial (1913-1914) fut un grand ami de Guido Nincheri. Il collabora à l'iconographie et aux interprétations sacrées entre 1918 et 1930 des décorations intérieures de l'église Saint Viateur d'Outremont et des églises italiennes de Saint-Antoine d'Ottawa et Notre-Dame-de-la-Défense à Montréal, deux églises Servites.
En 1929-1940, Guido Nincheri a réalisé une série de plans architecturaux pour définir les dimensions des panneaux des fresques. Il a également réalisé une série d'aquarelles des thèmes de chaque panneau. Après le décès de l'artiste en 1973 et celui de sa femme en 1986, George Nincheri, son fils cadet, vendit la maison de Providence et déménagea à Montréal, emportant toutes les œuvres d'art dans son nouveau condo de l'ouest de l'île.
Il a ensuite fait don de l'œuvre à la Société historique d'Hochelaga Maisonneuve, dont le siège social était au musée du Château Dufresne à Montréal. Dans la collection Providence, se trouvaient les œuvres dont deux aquarelles retraçant la vie de sainte Amélie. Les plans architecturaux de Sainte-Amélie ont été retrouvés dans l'Atelier du 1832, boul. Pie-IX à Montréal.
En 2001, un inventaire des œuvres de l'Atelier a été réalisé par Ginette Laroche et Paul Labonne, directeur du musée du Château.
Plus tard, Roger Boccini Nincheri, le petit-fils de l'artiste, a photographié et catalogué toutes les œuvres d'art en réalisant qu'une grande partie manquait et était perdue au cours des années d'existence du Studio entre 1924, date à laquelle il a été définitivement fermé en tant que dernier artiste résident, Matteo Martirano, décédé en 1986.
Église Sainte Amelie de Baie-Comeau. Qc
Mine de plomb sur carton,
Dimension 73.3 x 101 cm,
Non signé, non daté (vers 1939-40)
Détail de la décoration de la vôute de la nef,
Église Sainte Amelie de Baie-Comeau. Qc
Mine de plomb sur carton
Église Sainte Amelie de Baie -Comeau. Qc,
Mine dc plomb sur carton blanc,
Dimension 70 x 105 cm
Jean Eudes est né le 14 novembre 1601 à Ri, petit village de Normandie. Dévot dès sa jeunesse, il est ordonné prêtre oratorien le 20 décembre 1625 sous le règne du roi Louis XIII et du cardinal de Richelieu en France.
Lors la grande peste de 1627 et 1631, il se porte volontaire pour s'occuper des personnes frappées dans son diocèse, administrant les sacrements et s'assurant que les morts recevaient une sépulture appropriée.
Connu comme un prodige dès son jeune âge, Jean Eudes était un prédicateur et un confesseur réputé.
En 1633, il commença à enseigner dans les paroisses de toute sa région, notamment à l'Ile-de-France, la Bourgogne et la Bretagne. Il était préoccupé par la formation des prêtres et s'est rendu compte que les séminaires avaient besoin d'être améliorés.
Source: New Advent Catholic Encyclopedia
En entreprenant ces missions, Jean Eudes a pris conscience que de nombreuses femmes, en particulier celles qui dépendaient de la prostitution, avaient besoin d'aide pour les sortir de ce monde et retrouver leur dignité. Avec l'aide financière de bienfaiteurs, il ouvrit un lieu où elles trouvèrent sécurité et éducation. En 1651, il fonda l'Ordre de Notre-Dame de la Charité, dont les membres laïcs travaillaient pour la réforme ces malheureuses afin qu’ils puissent mener une vie significative
Source: Sisters of Our Lady of Charity of the Refuge
En mars 1643, Jean Eudes quitte les Oratoriens avec cinq compagnons et fonde à Caen la Congrégation de Jésus et de Marie. La Congrégation n'était pas un ordre religieux mais une société de vie apostolique, sous la juridiction immédiate des évêques, pour aider à la formation du clergé. Elle est composée de prêtres, de séminaristes et de frères convers employés aux affaires temporelles, qui ne portent pas l'habit clérical et dont l'activité principale était l'éducation des prêtres dans les séminaires et l'envoi de missions. Du vivant de Jean Eudes, la Congrégation fonda plusieurs grands séminaires entre 1643 et 1670.
Source: Wikipedia
Lorsque Jean Eudes quitte le séminaire des Oratoriens de Caen, il s'installe avec ses compagnons dans une maison voisine. Le 24 mars, il se rendit prier au Sanctuaire Notre-Dame-de-la-Délivrance à quelques kilomètres de Caen.
C'est là qu'il a eu la vision qui l'a inspiré à établir la Congrégation de Jésus et Marie, une dévotion qu'il avait depuis qu'il a été ordonné prêtre : «Jésus et Marie sont étroitement liés l'un à l'autre, de sorte que quiconque regarde Jésus voit Marie ; celui qui aime Jésus, aime Marie ; qui a la dévotion à Jésus, a la dévotion à Marie.»
Guido Nincheri a représenté le moment de la vision comme un rêve, s'abstenant de dessiner le fond de l'intérieur de Notre-Dame-de-la-Délivrance. En plaçant les sacrés cœurs de Jésus et de Marie comme une apparition, il souligne la croyance d'Eudes exprimée dans la citation ci-dessus.
Vision de Saint Jean Eudes au plafond du chœur de l'église Sainte-Amélie
Dans la visite de cette Église, vous apercevez cette figure du notre fondateur, sans en apercevoir l’environnement complet. Il nous est présenté comme un maître spirituel de la dévotion mariale; un ange nous présente sa devise: A Jésus par Marie. Dans la photo ci-dessus, on le voit à genoux et présentant sa dévotion aux Cœurs de Jésus et de Marie.
Photo: Jean Beauchemin
Le concept grec et romain d'apothéose ancré dans le culte des héros et des empereurs est connu comme une gloire par le christianisme.
«Par le Christ, les personnes humaines sont entrées dans la gloire et ont rejoint le conseil divin en tant que membres de la famille de Dieu. Les promesses des Écritures concernant les saints du Christ ne sont pas simplement des promesses de repos passif, mais des promesses de participation au règne et au règne de Christ.»
Le concept grec et romain d'apothéose ancré dans le culte des héros et des empereurs est connu comme une gloire par le christianisme. «Par le Christ, les personnes humaines sont entrées dans la gloire et ont rejoint le conseil divin en tant que membres de la famille de Dieu. Les promesses des Écritures concernant les saints du Christ ne sont pas simplement des promesses de repos passif, mais des promesses de participation au règne et au règne de Christ.»
Source : The Saints in Glory, September 2018
Guido Nincheri a visualisé la «Gloire» en trois impressions. La première était celle de Saint Francis Xavier dans la mission Saint Francis Xavier à Kahnawake en 1925. La seconde était dans la fresque de Sainte-Amélie en 1941. La dernière, la plus spectaculaire, était pour l'église de Saint-Cœur-de-Marie à Chandler, QC en 1947
La gloire de Saint Jean Eudes, église Sainte-Amélie
La gloire de Saint François Xavier, Kanesatake, QC (1925)
La gloire de Saint Jean Eudes Église Saint-Cœur-de Marie, Chandler (1947) - Détails sur l'audio ci-dessous
Guido Nincheri a utilisé la palette de couleurs de Titien, dont la beauté étonnante a donné de la luminosité à ses créations. Parmi les choses laissées de son studio de Providence, RI, une boîte de divers pinceaux comme Titien pour produire différentes textures et effets s’y trouvait. C'étaient des poils de porc raides, et d'autres, fabriqués à partir de queues d'animaux, plus doux et plus flexibles.
Il a également utilisé la technique du «colorito» en utilisant une juxtaposition de couleurs pour définir une composition le long du «cangiantismo» de Michel-Ange par l’utilisation de couleurs pures dans les ombres en ajoutant du blanc au pigment pur pour obtenir des tons moyens et plus de blanc pour les reflets.
À la gloire de Jean Eudes à Sainte-Amélie (voir figure), l'artiste expose l'utilisation du «colorito» dans les différentes teintes des rayons célestes. Les vêtements des anges qui reflètent la lumière céleste sont typiques du cangiantismo de Michel-Ange.
Son autre chef-d'œuvre de fresque montre l'imagination de l'artiste et sa compréhension des croyances catholiques. C'est dans l'église Saint-Cœur-de-Marie à Chandler qu'il peint en 1947 la béatification de Jean Eudes par le pape Pie X en 1909 et sa canonisation par Pie XI en 1925. La fresque montre son entrée dans la splendeur du Ciel (voir figure) entouré d'un chœur d'anges chantant ses louanges et accueilli par les Sacrés Cœurs de Jésus et de Marie.
Sur le sol des deux côtés du Saint se trouve son livre Le Cœur Admirable de la Très Sainte Mère de Dieu est le premier livre jamais écrit sur la dévotion aux Sacrés Cœurs. Cet ouvrage, ainsi que de nombreux autres écrits par le saint, a conduit à l'établissement de la fête du Cœur Immaculé de la Mère de Dieu et celle du Sacré-Cœur de Jésus en 1672, officiellement établie par l'Église par le Pape Pie VII en 1805 .
L'autre, tenue par le saint, montant au Ciel exprime: «Vous ne devez jamais séparer ce que Dieu a si parfaitement uni. Jésus et Marie sont si étroitement liés l'un à l'autre que quiconque regarde Jésus voit Marie ; qui aime Jésus aime Marie ; qui a une dévotion à Jésus, a une dévotion à Marie.»
La mort de Sainte-Amélie
La communion de Sainte-Amélie
Le règne de Charlemagne (742-814), marqué par une période de paix relative, conduit à une expansion des monastères et des abbayes. En général, ces bâtiments étaient situés dans des zones rurales pour les femmes nobles, les filles et les veuves qui voulaient suivre une vie religieuse. En général, il s'agissait de petits bâtiments mais avec des exceptions en fonction de la richesse et du pouvoir des mécènes familiaux. Ils remplissaient les fonctions missionnaires et éducatives de l'Église et certains d'entre eux étaient connus pour leur production de livres et les réformes agricoles adoptées par Charlemagne (Communautés monastiques féminines Jane Tibbetts Schulenburg, 500-1100 ; Modèles d'expansion et de déclin Vol. 14 n ° 2 Travailler ensemble au Moyen Âge: perspectives sur les communautés de femmes (hiver 1989, pp. 261-292) University of Chicago Press)
Amalberga de Temse, également connue sous le nom de Sainte Amélie (vers 741 - 10 juillet 772) était une noble lotharingienne de la maison royale franque des Pippinides qui est célébrée comme une sainte dans l'Église catholique romaine et l'Église orthodoxe orientale. Elle est particulièrement vénérée à Tamise, Gand, Münster-Bilzen et dans d'autres régions de Flandre. Elle a reçu le voile de Saint Willibrord d'Echternach.
Sa vie est liée au jeune Charlemagne qui, selon la tradition, voulait l'épouser. Quand elle a refusé afin de continuer sa vocation, vierge, Charlemagne a essayé de la forcer, lui cassant le bras, mais sans succès. Il est même tombé malade à cause de ses actions, mais Amélie lui a pardonné et a prié Dieu de le guérir. Amélie a finalement pu réaliser son désir d'entrer au couvent. Elle passa le reste de sa vie à l'abbaye bénédictine de Münster-Bilzen en Belgique, l'abbaye impériale du Saint Empire romain germanique. L'abbaye est considérée comme le plus ancien couvent de femmes des Grands Pays-Bas, fondé en 670 par Sainte-Landrada.
Sainte Amélie a aidé à construire une église dédiée à la Vierge Marie dans la ville belge de Temsche. Elle a été connue pour de nombreux miracles et études agricoles qui ont aidé le régime alimentaire de la population environnante, adopté plus tard par les réformes économiques de Charlemagne.
L'un des miracles de Sainte-Amélie fut de traverser l'Escaut à cheval sur le dos d'un gros esturgeon. Pour cette raison, elle est devenue la patronne des pêcheurs et des agriculteurs. Elle mourut à l'âge de 31 ans en 772 et de nombreuses histoires miraculeuses lui sont attribuées. Elle est la patronne de ceux qui souffrent d'ecchymoses et de douleurs aux bras. Sa fête est le 10 juillet.
Sources: Wikipedia, Amalberge de Tamise, Facebook, Saint of the day: St-Amelia, Catherine Monroe The King's Nun: A Novel of King Charlemagne, Publié par Berkley, 2007
Sainte Amalberge et l'esturgeon
Sainte Amalberge et l'esturgeon soutiennent les armoiries de Zandhoven, commune de la province belge d'Anvers.
Le monastère bénédictin représenté sur la fresque est un ensemble d'éléments architecturaux typiques de l'époque carolingienne. Ces monastères sont devenus des centres d'apprentissage, d'éducation et de copie de manuscrits anciens. En plus de leurs améliorations pédagogiques, ils ont mis en place le système de rotation des cultures sur trois champs consistant à planter des céréales d'hiver et de l'avoine au printemps, ce qui a augmenté le nombre de chevaux pour les travaux sur le terrain et les besoins militaires. L'introduction de légumineuses dans les semis de printemps a amélioré le régime alimentaire des paysans qui reposait sur les céréales d'hiver.
La scène de l’apparition de l’ange est dominée par l’illustration de l'imposante abbaye impériale de Munster-Bilzen, dont le long escalier mène à la chapelle abbatiale.
Les émotions humaines manifestées par l'ange servant la communion à sainte Amélie et les expressions étonnées et respectueuses des religieuses présentes reflètent un moment mémorable et les caractéristiques distinctives de l'art de Guido Nincheri.
Le monastère bénédictin représenté sur la fresque est un ensemble d'éléments architecturaux typiques de l'époque carolingienne. Ces monastères sont devenus des centres d'apprentissage, d'éducation et de copie de manuscrits anciens. En plus de leurs améliorations pédagogiques, ils ont mis en place le système de rotation des cultures sur trois champs consistant à planter des céréales d'hiver et de l'avoine au printemps, ce qui a augmenté le nombre de chevaux pour les travaux sur le terrain et les besoins militaires. L'introduction de légumineuses dans les semis de printemps a amélioré le régime alimentaire des paysans qui reposait sur les céréales d'hiver.
La scène est dominée par l’illustration de l'imposante abbaye impériale de Munster-Bilzen, dont le long escalier mène à la chapelle abbatiale.
A quelque distance de l'imposant escalier menant à la chapelle centrale de l'abbaye de Munster Bilzen se trouve le cimetière. De grands arbres en forme de cyprès, typiques du cimetière toscan, entourent le paysage. Dans son parc se trouve le mausolée des Lothargiens. Le service funèbre est présidé par qui lit l’oraison funèbre accompagné de ses trois acolytes, dont l'un porte l'étendard de la famille Lothargienne.
Le corps d'Amélie auréolée, vénérée comme une sainte de son vivant, est exposé sur une table drapée en attendant d'être placé dans le caveau. Amélie est entourée d'un groupe de personnes en deuil priant ou discutant de sa vie. À côté d'elle, se trouvent les sœurs du monastère, qui pleurent ou prient pour son âme. La composition est typique de la connaissance de l'artiste du «pathétique» humain et de la cérémonie.
La gloire de Sainte Amélie, église Sainte-Amélie
La dame sur la photo du nom de Lyette est la fille qui a servi de modèle pour la sainte. Alors que je faisais une présentation de l'art de Guido Nincheri dans l'église, je l'ai rencontrée à la fin de la conférence. Elle est le deuxième modèle que j'ai rencontré dans mes voyages photographiques.
Regardez attentivement les mouvements des anges qui se lèvent. Ils montrent la connaissance de l'artiste de l'anatomie humaine en action.
La résurrection - Le soldat à gauche est la figure de Guido Nincheri
Fresque de Mater Christi
L'interprétation originale de la fresque est basée sur le vitrail de gauche d'une série de Litanies de la Vierge Marie de la Cathédrale de Trois Rivières QC. Marie, Joseph et les animaux sont les mêmes, mais le visage de Marie est différent car l'original était le visage de Giulia, la femme de l'artiste.
L’arrière-plan est basé sur la découverte archéologique de 1926 de la synagogue de Délos représentant la chaise de Moïse ou le siège de la sagesse. Le siège en pierre servait de lieu où un enseignant ou un rabbin faisant autorité s'asseyait et expliquait le passage de la Torah lu depuis le sanctuaire de la Torah. Son sermon était considéré avec une autorité respectueuse comme la déclaration d'un roi de son trône.
La première mention du siège de Moïse vient du passage suivant : «Alors Jésus dit aux foules et à ses disciples : ‘ Les maîtres de la loi et les pharisiens sont assis sur le siège de Moïse. Tu dois donc veiller à faire tout ce qu'ils te disent. Mais ne faites pas ce qu'ils font, car ils ne mettent pas en pratique ce qu'ils prêchent.’» (Matthieu 23:1-3)
Guido Nincheri était au courant de cette découverte et l'a adaptée à la fresque de Mater Christi dans laquelle on voit le paysage de fond avec des roses au sommet du mur et des arbres en arrière-plan.
Les anges, tenant un rouleau de musique ancienne, chantent à sa gloire alors qu'elle regarde au loin avec l'enfant sur ses genoux. Elle semble transmettre au monde sa sagesse intérieure et son amour pour l'Humanité.
L’arrière-plan est basé sur la découverte archéologique de 1926 de la synagogue de Délos représentant la chaise de Moïse ou le siège de la sagesse.
Les anges, tenant un rouleau de musique ancienne, chantent à sa gloire alors qu'elle regarde au loin avec l'enfant sur ses genoux.
Cathédrale de Trois Rivières QC.
La fresque de la Résurrection est unique parmi les nombreuses versions que l'artiste a représentées dans d'autres églises. L'une des rares signatures de son œuvre est de se représenter en soldat romain étonné.
Une caractéristique supplémentaire est la vue de Jérusalem au loin qui s'ajoute à la vue panoramique depuis la tombe.
Le soldat à gauche est la figure de Guido Nincheri
Les pointillages visibles sont les contours de la taille réelle du dessin.
Une fois la construction de Sainte-Amélie terminée, son plafond a été recouvert d'une couche de plâtre appelée «arriccio», première étape pour préparer la surface à la peinture à fresque. Après plusieurs jours, il était prêt pour que l'artiste commence à peindre.
Le jour de l'application de la fresque, le plâtrier ajoute à l'«arriccio» une fine couche lisse de plâtre fin appelée «intonaco». Comme cette couche sèche en douze heures, il est crucial de limiter la taille de sa surface pour que l'artiste puisse achever sa peinture en une journée. La veille, l'artiste a tracé les grandes lignes du dessin sur papier. Ces lignes ont ensuite été piquées avec un outil pointu.
Le jour de l'application de la fresque, alors que son assistant tient le papier sur la surface du mur, l'artiste prend un sac de «spolvero» de suie et le frappe sur sa surface piquée, laissant un ensemble de points noirs sur l'«intonaco» correspondant aux lignes principales du dessin.
Vous pouvez voir le motif de points qui dessine le corps peint de Guido Nincheri.
L'artiste commence à peindre une heure après l'application de l'«intonaco» et continue à travailler jusqu'à deux heures avant le temps de séchage, soit sept à neuf heures de temps de travail. L'«intonaco» non peint est enlevé avec un outil.
Avant de commencer le lendemain, le joint entre chaque «giornata» doit être soigneusement réalisé par un plâtrier qualifié. Ainsi, le produit fini apparaîtra alors comme une surface peinte continue vue de loin.
La voute de la Trinité, église Sainte-Amélie
La fresque qui montre l'émanation de la lumière d'une source surnaturelle est un concept de lumière mystique basé sur des écrivains médiévaux tels que l'abbé Suger de Saint-Denis de Paris. Lorsque la lumière du jour (lux) traverse le majestueux vitrail de Saint-Denis, elle devient une lumière sacrée (lumen) puis, telle qu'elle est perçue par les fidèles, elle devient une lumière sacrée ou «illuminatio». La palette de Guido Nincheri recrée cette sensation qui se transforme en quelque chose de miraculeux et sublime à travers les rayons multicolores provenant du Saint-Esprit (la colombe) qui illuminent la Nativité à gauche et la Résurrection à droite et la Trinité au centre.
Dans les premiers siècles du christianisme, il n'y avait aucune tentative de représenter Dieu. Au 10e siècle, il a commencé à apparaître comme une main ou parfois comme un visage mais rarement comme une personne entière.
À la Renaissance, le Père était représenté comme un homme avec une longue barbe et des cheveux blancs et une apparence patriarcale portant une auréole triangulaire, faisant référence à la Sainte Trinité, ou une tiare papale ou tenant un sceptre.
Un des premiers exemples, il est vu comme un vieil homme dans le Baptistère de Florence de 1425 Portes du Paradis de Lorenzo Ghiberti. Dans la chapelle Sixtine de Michel-Ange, fresque de la Création d'Adam, il apparaît comme une figure puissante flottant dans les nuages.
Plusieurs exemples de Guido Nincheri vont des exemples symboliques typiques des premières représentations de Dieu aux personnifications et expressions résultant de l'inhumanité et de l'humanité envers l'homme.
La visualisation centrale de Dieu est particulière car il regarde l'humanité avec une expression triste. Guido Nincheri a peint cette image dans le baptistère de Saint-Viateur-d'Outremont, Montréal. Il rappelle le sacrifice de 24 000 soldats canadiens qui ont péri pendant la Première Guerre mondiale en 1916 lors de la bataille de la Somme.
La visualisation centrale de Dieu est particulière car il regarde l'humanité avec une expression triste. Guido Nincheri a peint cette image dans le baptistère de Saint-Viateur-d'Outremont, Montréal. Il rappelle le sacrifice de 24 000 soldats canadiens qui ont péri pendant la Première Guerre mondiale en 1916 lors de la bataille de la Somme.
Église Saint Willibrord, Verdun QC.
Vision du Sacré-Cœur par Margaret Mary Alacoque lors de la Visitation du Monastère de Paray-le-Monial en France
Les visages des anges sont des élèves de l'école près de l'église ainsi que des modèles de Ste-Anne-de-Woonsocket où Nincheri décorait les hivers.
La fresque du Christ-Roi a été peinte par l'artiste à Sainte Amélie durant l'été 1943. C'était en l'honneur de l'institution de la fête en 1925 par le pape Pie XI.
Cette fête faisait suite à la Solennité du Très Sacré-Cœur de Jésus célébrée à Rennes France en 1670. Saint Jean Eudes, dont la dévotion aux Cœurs Immaculés de Jésus et de Marie, a composé une messe et un ensemble de prières pour l'extérieur de la messe (connu sous le nom d'Office) adopté dans toute la France.
En 1673, pour donner suite aux visions du Sacré-Cœur de Marguerite Marie Alacoque lors de la Visitation du Monastère de Paray-le-Monial en France, elle fut officialisée en 1856 par le Pape Pie IX comme la Fête du Sacré-Cœur. L'événement de la vision peint en 1937 par Guido Nincher orne le maître-autel de l'église du Sacré-Cœur à Toronto.
Dans l'Ancien Testament, le prophète Jérémie a proclamé : «Voici venir les jours, déclare l'Éternel, où je donnerai à David une pousse juste : il régnera comme un vrai roi, il agira avec intelligence, il exercera la justice et la justice dans la terre" (Jr. 23, 5).
Dans le Nouveau Testament, Jésus a dit : «Ma royauté ne vient pas de ce monde». Son royaume est un royaume d'amour et de justice ; sa paix que le monde ne peut donner. Les pauvres et les petits constituent le trésor de son royaume. En 1925, le pape Pie XI institue la fête du Christ-Roi.
Son but était de soutenir la lutte contre l'évolution du monde moderne et de renforcer la foi des fidèles.
Moïse, Prophète et Législateur
Assis sur le trône de la Sagesse, tenant les tablettes des Dix Commandements dans sa main gauche, représente le Législateur, le plus grand prophète et enseignant et fondateur du judaïsme.
Derrière Moïse se trouve une menora massive fabriquée à partir d'un amandier. Le sommet de chaque branche est en forme de fleur d'amandier. (Exode 25:33-34 (NIV)
Les branches représentent la Compréhension, le Conseil, le Pouvoir, la Connaissance et la Crainte du Seigneur qui répandent l'inspiration divine à travers le monde. Les sept branches symbolisent la création en sept jours, la branche centrale étant la lumière de Dieu.
Au-dessus de la lumière de Dieu se trouve l'étoile de David, symbole de l'État d'Israël. Pendant la Première Guerre mondiale, le philosophe Franz Rosenzweig explique que les coins de chaque triangle représentent la création, la révélation et la rédemption, et l'autre représente l'homme, le monde et Dieu.
Source: Jewish Learning
Des siècles après la mort de Moïse, le siège de Moïse était une chaise honorée dans les maisons de réunion qui devinrent plus tard des synagogues.
Dans sa forme araméenne, le terme Chaise de Moïse Cathedra De Moshe était un symbole de l'autorité de la Torah pour les enseignants chargés d'expliquer les passages du rouleau de la Torah.
Au premier siècle, il existe des preuves d'un siège décoratif spécial appelé le «siège de Moïse» sur une plate-forme surélevée remplie par des hommes qui revendiquaient le poste d'enseignant par l'autorité de Moïse. Typique des synagogues comme à Délos, datée du 1er siècle avant notre ère.
Source: Moses' Seat Chair – Origin and Significance
Modèle de la Basilique de Constantin avec le Pape assis derrière l'autel
Véritable chaise de Saint-Pierre
Cathedra Petri
Placé sur une plate-forme surélevée, Saint Pierre est assis sur la Cathedra Petri. Il est flanqué de deux grandes bougies en cire d'abeille. La cire que les abeilles extraient des fleurs symbolise la chair pure du Christ reçue de sa Vierge Mère, la mèche signifie l'âme du Christ et la flamme représente sa divinité.
Source : Encyclopédie catholique, Bougies d'autel, New Advent
À ses pieds se trouve la tiare papale symbole de la papauté dont les trois couronnes représentent l'Église militante, souffrante et triomphante vue dans les armoiries du Vatican.
À droite de la tiare se trouve une palme symbole de la passion du Christ après son entrée triomphale à Jérusalem. Enfin, à son pied droit se trouve une lampe allumée symbole de la présence du Christ.
Saint Pierre pointe de sa main gauche la Parole de Dieu dans l'Évangile écrit. La lumière de la colombe, symbole de sagesse, d'amour et de conseils, illumine la scène.
Quand les saints Pierre et Paul et Linus sont arrivés à Rome ils devaient trouver un emplacement pour une église à administrer aux fidèles. Ils ont localisé la première église de maison (Domus ecclesia) dans la résidence de Pudens, dont le père était un sénateur romain Quintus Cornelius Pudens et sa mère était Saint Priscilla - deux des premiers convertis de Saint Pierre.
Dans la tradition de l'Église primitive, l'évêque, chef d'un diocèse, s'asseyait sur une chaise surélevée (cathedra) derrière l'autel pour officier les cérémonies liturgiques.
La famille Pudens a fait don de la chaise sénatoriale de Quintus Cornelius Pudens à Saint Pierre. Ainsi, la résidence est devenue connue sous le nom d'église pudentienne (ecclesia pudetintiana), la plus ancienne église catholique de Rome.
Cet emplacement depuis l'époque de Saint Pierre jusqu'à la conversion de Constantin en 313 de notre ère était la résidence et le siège des papes. Dans le modèle de la Basilique de Constantin avec le Pape assis derrière l'autel. Cette figure montre la véritable chaise de Saint-Pierre. Remarquez les quatre anneaux de chaque côté de la chaise. Ils devaient transporter le pape à divers endroits de la basilique pour effectuer des cérémonies liturgiques. Parfois, il était porté à l'extérieur vers le peuple pendant les jours de fête spéciaux
Cette cérémonie était encore en place jusqu'à l'époque du pape Pie XII (1876-1958) comme dans la fresque de l'abside de Notre Dame de la Défense à Montréal réalisée par Guido Nincheri.
Abside de Notre Dame de la Défense à Montréal réalisée par Guido Nincheri
Fresque de Sainte Cécile , église Sainte-Amélie
En 230 de notre ère, sous le règne de l'empereur Sévère Alexandre, vivait à Rome une jeune femme nommée Cecilia, dont les parents riches et influents l'ont forcée à épouser un jeune païen du nom de Valerian.
Lors de sa cérémonie de mariage, elle a chanté dans son cœur à Dieu pour protéger sa virginité.
Le soir, elle dit à Valerian qu'un ange protégeait sa virginité. Valerian lui a demandé de voir l'ange. Elle lui dit d'aller sur la troisième borne de Via Appia pour se faire baptiser par le pape Urbain. De retour chez elle, elle trouva à ses côtés un ange qui la couronna d'un chapelet de roses et de lys accompagné d'anges chantants.
Ayant entendu parler de l'apparition, Tibère, le frère de Valériane, demanda également à être baptisé. Les deux frères ont consacré leur vie en enterrant des martyrs.
Les deux frères ont finalement été arrêtés et déférés devant le préfet. Refusant d'offrir un sacrifice aux dieux, ils les exécutèrent.
Cecilia, de son côté, devint le prédicateur et convertit plusieurs personnes pour se faire baptiser par le pape Urbain. Elle a finalement été découverte et condamnée à mort par décapitation. Son corps, récupéré, fut inhumé dans les catacombes de Saint-Calliste près de Rome.
Elle est la patronne de la musique car elle a entendu de la musique céleste lors de sa nuit de noces. Elle est représentée en jouant de l’orgue ou des tuyaux d’orgue entre ses mains dans l’art. Au IXe siècle, le pape Pascal I exhume son corps intact et la fait enterrer dans la basilique de San Cecilia in Trastevere à Rome.
Source: Catholic Online, St. Cecilia
Les présentations ci-dessous sont divers exemples d'interprétations artistiques de Guido Nincheri dans l'histoire de l'art.
Peinture de Saint-Viateur-d'Outremont, Montréal (1918-1920)
Partie du vitrail de Sainte Cécile détruit par le feu dans l'église Sainte-Cécile-de-Valleyfield. La plus grande fenêtre du Studio en 1935.
Saint Anne of Woonsocket Rhode-Island
Le vitrail de l’Assomption
L'ajout de la fenêtre saint Eugène vise à donner une meilleure vue sur le panneau central de la fenêtre de l'Assomption de Sainte-Amélie, réalisée en 1959.
Marie se lève au ciel de son tombeau entourée d'anges. Les roses, son symbole, décorent le paysage autour de la tombe et dans les panneaux inférieurs supplémentaires.
Les panneaux supérieurs montrent le Christ-Roi accueillant sa mère. Flanquant Jésus se trouvent deux panneaux avec le monogramme de Marie et des anges agenouillés en prière.
Le monogramme de Mary se compose d'un grand M entourant la lettre A. Leur forme combinée signifie AVE MARIA.
Le vitrail de 1956 de l'église d'Eugène de Granby, QC.
Prendre un vêtement blanc - Jésus et l‘arbre de Jesse - Prendre la lampe allumée
Je t’oints avec l’huile - Jésus et l‘arbre de Jesse - Je te baptise
Le baptistère
Le baptistère Guido Nincheri, à l'époque universitaire, a réalisé plusieurs études de ciels colorés qui font partie des archives du Studio. Son interprétation symbolique dans le plafond du baptistère montre le Saint-Esprit imposé au soleil couchant. C'est un symbole que le lendemain sera un bon jour pour un renouveau de foi et d'amour.
Les vitraux du baptistère sont les suivants:
1. Je te baptise
2. Prendre un vêtement blanc
3. Je t’oints avec l’huile
4. Prendre la lampe allumée
5. Jésus et l ‘arbre de Jesse (au centre)
Symbolisme du vitrail Jésus et l‘arbre de Jesse
Panneau inférieur – Baptême de Jésus La coquille Saint-Jacques superposée à trois lumières représentant la Trinité
Panneau central - L'arbre de Jessé jaillissant de la fontaine de vérité. Les sarments soutiennent la vigne. Les colombes, symbole de l'Esprit Saint, soutiennent le visage rayonnant de Jésus qui accueille les baptisés.
Je suis la vigne, vous êtes les sarments. Celui qui demeure en moi et en qui je demeure porte beaucoup de fruit, car sans moi vous ne pouvez rien faire. Jean 15, 1-11
Le Christ la Vraie Vigne, icône grecque du XVIe siècle – Source du vitrail par Guido Nincheri
Au-dessus de la porte principale à l'arrière de l'église
Au-dessus de la porte principale à l'arrière de l'église
